Día Internacional del Arte Islámico. Seis artistas que deberías conocer

El Día Internacional del Arte Islámico, celebrado anualmente el 18 de noviembre, nos invita a reflexionar sobre la riqueza de un patrimonio cultural que abarca siglos y continentes. El arte islámico engloba arquitectura, caligrafía, textiles, cerámica, mosaicos, jardines y otras manifestaciones, integrando la devoción religiosa con el conocimiento científico, las ideas filosóficas y una sofisticada sensibilidad estética.

Lejos de ser estático, el arte islámico evoluciona a través de creadores contemporáneos que reinterpretan sus motivos para abordar temas actuales como la identidad, la migración, el género y la convivencia, entre otros muchos. En este artículo se presenta el trabajo de seis artistas contemporáneos, cada uno de los cuales ofrece una reflexión única sobre cómo el arte islámico puede ser reimaginado en la actualidad.

Faig Ahmed

Faig Ahmed es un artista contemporáneo azerbaiyano conocido por transformar uno de los símbolos más emblemáticos de la artesanía oriental, la alfombra tradicional, en obras de arte innovadoras. Nacido en 1982 en Sumqayit y formado como escultor, Ahmed ha desarrollado un lenguaje artístico que conecta las antiguas tradiciones textiles con la estética de la era digital.

La obra de Ahmed cautiva al espectador a través de la fusión inesperada de la artesanía tradicional, rica en memoria cultural e histórica, con una imaginería hipercontemporánea y digitalmente distorsionada. Sus alfombras aparecen pixeladas, estiradas o derretidas, como si un error digital se infiltrara en la estructura de un objeto hecho a mano. Lo que hace especialmente llamativa su práctica es que esta tensión entre el proceso tradicional y el diseño futurista invita al espectador a reconsiderar los límites de la artesanía y el patrimonio, proponiendo la tradición como un campo dinámico y en constante evolución, más que como un artefacto cultural fijo.

«Estas alfombras son tejidas únicamente por mujeres que transmiten esta tradición de madres a hijas. Como parte de la cultura visual, la alfombra ha cambiado bajo la influencia de otras culturas, religiones e incluso lenguas. Es una metáfora de la inmutabilidad dentro de los cambios de un objeto». — Entrevista para Metal Magazine.

Monir Shahroudy Farmanfarmaian

Monir Shahroudy Farmanfarmaian fue una artista iraní pionera cuya práctica estableció un poderoso diálogo entre el patrimonio artístico persa y la abstracción moderna. Nació en Qazvin en 1922 y dedicó su vida profesional a desarrollar un enfoque basado en la estética islámica, audazmente contemporáneo en forma y concepto.

Las esculturas de mosaico de espejos y las pinturas sobre vidrio invertido de Monir se fundamentan en los principios de la geometría islámica. A través de paneles murales monumentales y obras escultóricas independientes, fusionó una artesanía meticulosa con una sensibilidad moderna, creando composiciones que utilizan la interacción entre la textura de la superficie, la luz, el reflejo, el color y la forma con un efecto transformador. Incontables fragmentos de espejo y vidrio se ensamblan en patrones radiantes e interconectados que refractan el espacio y animan la percepción del espectador, convirtiendo la abstracción en una experiencia luminosa y espacial.

«Me inspiré en la geometría que encontré en las antiguas mezquitas, con sus azulejos, metales, maderas y estucos». — Monir Farmanfarmaian en conversación con Lauren Oneil Butler, Art Forum, 2015.

Al recuperar técnicas tradicionales como el āina-kāri y reinterpretarlas como vehículos de exploración conceptual, vinculó la geometría con la cosmología, la espiritualidad y la arquitectura de los espacios sagrados. Sus obras trascienden la decoración: se convierten en meditaciones sobre el infinito, la percepción y la memoria cultural inscrita en los materiales.

Untitled (Muquarnas) © Monir Shahroudy Farmanfarmaian (2015)

Lalla Essaydi

Lalla Essaydi es una artista marroquí nacida en Marrakech en 1956, que ha vivido entre Marruecos, Arabia Saudí, París y Estados Unidos. Formada en pintura y fotografía, crea obras cuidadosamente escenificadas que exploran las intersecciones entre género, cultura y representación en el mundo árabe. Su práctica se nutre de su propia biografía, lo que le permite cuestionar y reformular los relatos dominantes desde una perspectiva íntima y crítica.

«En mi arte deseo presentarme desde múltiples perspectivas: como artista, como marroquí, como tradicionalista, como liberal, como musulmana. En definitiva, invito a los espectadores a resistirse a los estereotipos».

La obra de Essaydi suele consistir en fotografías, pinturas e instalaciones minuciosamente construidas, en las que las figuras femeninas confrontan e invierten representaciones estereotipadas arraigadas en las fantasías orientalistas. Un motivo central es su uso de la caligrafía árabe escrita con henna, una práctica tradicionalmente asociada a las mujeres, aplicada sobre cuerpos, tejidos y espacios domésticos para cuestionar la idea de que la caligrafía pertenece exclusivamente a los hombres.

Les Femmes du Maroc: Grande Odalisque 2 © Lalla Essaydi (2012)

A través de series como Converging Territories, Harem y Les Femmes du Maroc, Essaydi revisita y subvierte las imágenes de harenes, odaliscas y mujeres veladas que durante mucho tiempo han poblado la pintura occidental. En lugar de ser sujetos pasivos de fantasías exóticas, sus mujeres reclaman espacio, agencia e identidad. Al combinar memoria personal, tradición cultural y crítica contemporánea de género, Essaydi crea un poderoso lenguaje visual que reimagina lo que significa ser una mujer musulmana hoy en día, resistiendo los estereotipos y dando voz a la complejidad, la dignidad y la autodefinición.

Helen Zughaib

Helen Zughaib es una artista libanesa-estadounidense nacida en Beirut. Trabaja principalmente con guache y tinta, desarrollando un estilo gráfico y vibrante que bebe de los lenguajes visuales de las artes decorativas árabes, las tradiciones populares y la ilustración moderna. Su historia personal de desplazamiento e hibridación cultural da forma a una práctica centrada en los temas de la migración, la identidad y el sentido de pertenencia.

La obra de Zughaib utiliza con frecuencia colores intensos, patrones y formas estilizadas para representar escenas de la vida cotidiana, historias familiares y realidades sociopolíticas de Oriente Medio. Aunque a primera vista sus composiciones pueden parecer lúdicas o decorativas, a menudo contienen narrativas más profundas sobre la guerra, el exilio y la resiliencia.

A través de series como Arab Spring, Refugee Family y Stories My Father Told Me, Zughaib explora el impacto del conflicto y el desplazamiento en las personas comunes, especialmente en las mujeres y las familias. Su arte busca fomentar la empatía, desafiar estereotipos y tender puentes culturales al presentar la identidad de Oriente Medio de una manera que enfatiza la humanidad y la conexión. De este modo, sitúa su obra como una forma de diplomacia cultural, una invitación a mirar más allá de los relatos políticos y a reconocer las emociones compartidas que unen a las comunidades más allá de las fronteras.

«Pido al espectador que vea a través de los ojos de otra persona, que se ponga en el lugar del otro. Que acepte al ‘otro’. Que rechace la división. Que promueva la aceptación y la comprensión, y que rechace la violencia y la subyugación de cualquier persona en cualquier lugar».

El Seed

El Seed es un artista franco-tunecino nacido en París en 1981, cuya obra combina las tradiciones de la caligrafía árabe con el lenguaje visual del grafiti contemporáneo. Es reconocido internacionalmente por sus monumentales obras de arte público, que se extienden por edificios, puentes, azoteas y paisajes urbanos de todo el mundo.

Trabajando en lo que él denomina calligraffiti, El Seed transforma las letras árabes en composiciones dinámicas y fluidas que fusionan texto y abstracción. Sus murales suelen incorporar versos poéticos, reflexiones filosóficas o fragmentos de escritores conocidos. Las formas entrelazadas, las curvas amplias y las estructuras rítmicas invitan al espectador a experimentar el poder emocional y estético de la escritura árabe como un lenguaje visual universal.

«Quien quiera ver claramente la luz del sol debe primero limpiar sus ojos».

Muchos de los proyectos de El Seed abordan temas de identidad, comunidad y conexión social. Su mural a gran escala Perception en El Cairo, pintado sobre casi 50 edificios, buscó desafiar los estereotipos sobre la comunidad marginada de Manshiyat Nasr, revelando una belleza oculta cuando se observa desde un único punto de vista.

Ya sea creando murales en Túnez, París, Dubái o Río de Janeiro, El Seed aborda cada contexto con la intención de fomentar el diálogo, honrar las narrativas locales y utilizar las formas caligráficas como un puente entre las personas. A través de este proceso, su obra se convierte no solo en una celebración del patrimonio cultural, sino también en una invitación a reconsiderar las fronteras sociales y los supuestos que estructuran nuestros entornos.

Hamra Abbas

Hamra Abbas, nacida en Kuwait en 1976, es una artista multidisciplinar cuya práctica abarca la escultura, la pintura, la fotografía, la incrustación en piedra y más. Abbas se nutre de sus diversas experiencias culturales y geográficas, viviendo entre Pakistán, Europa y Estados Unidos, para desarrollar una visión artística plural y globalmente sensible.

Su obra reinterpreta con frecuencia formas e iconografías tradicionales —religiosas, decorativas y arquitectónicas— desplazándolas hacia nuevos contextos y materiales. Por ejemplo, en series como Kaaba Picture as a Misprint, juega con la representación del cubo sagrado de la Kaaba superponiendo los tres colores primarios de la impresión (cian, magenta y amarillo) para recrear el negro, cuestionando las nociones de imagen religiosa, memoria e identidad.

Kaaba Picture as a Misprint © Hamra Abbas (2014)

Más recientemente, Abbas ha recurrido a la antigua técnica de la incrustación de mármol (pietra dura), utilizando mármol, piedras semipreciosas (especialmente lapislázuli), granito, serpentina y otros minerales para producir “jardines” escultóricos, paisajes y motivos orgánicos que remiten al Paraíso, la naturaleza y el simbolismo espiritual, como en su obra a gran escala Garden (2021).

«Lo reimaginé en mis esculturas de mármol y las titulé ‘Jardines del Paraíso’. Para mí, estos lugares representaban un umbral imaginario entre el deseo y la devoción a través de la imagen de un jardín». — Entrevista para Forbes.

A través de este diálogo entre tradición e innovación, Abbas desafía las convenciones sobre la propiedad cultural, la ornamentación, la devoción y la memoria. Sus jardines reimaginados, símbolos sagrados e iconografías reformuladas invitan a reflexionar sobre la espiritualidad, la identidad, la conciencia ecológica y nuestra relación con el patrimonio. De este modo, construye nuevas plataformas desde las cuales cuestionar cómo las imágenes y los materiales arraigados en la historia pueden transformarse en poderosos lenguajes contemporáneos de significado y pertenencia.

Imagen de portada: Re Imagined Peace, Helen Zughaib.